La chute du piano
Une coproduction internationale
La chute du piano est le résultat d’un projet de résidences croisées entre Québec et Bordeaux.
Basé sur la prise de risque et la rencontre, ce processus a poussé les deux compagnies sur des chemins nouveaux, bousculant tant leurs habitudes que celles de leurs collaborateurs. Le point de départ du travail de Rhizome est la littérature vivante, celle d’éclats, la musique contemporaine. Tous deux mêlent leur art fondateur au travail d’autres artistes à travers une démarche de collaboration et de mise en scène. Au fil des échanges qui se sont étirés sur deux ans, le sujet de La chute du piano s’est précisé, synthèse parfaite des préoccupations de l’un et de l’autre.
Le sujet
Nous avons réinventé Gilles (Deleuze) et John (Cage). Juste un peu.
Nous les avons décalés. Puis nous avons organisé leur rencontre. Nous en avons fait complètement autre chose : des personnages. Ils prennent un café et discutent ensemble du spectacle que nous sommes en train de (re)créer devant vos yeux. Nous sommes la création de Gilles et de John. Sauf que nous avons créé Gilles et John. Si Gilles n’aime pas les frotteurs (son aversion pour les chats est connue), il apprécie cependant les animaux à territoires. L’homme n’est pas un animal. Ou si? John, pour sa part, préfère les bêtes à cordes. Comme les pianos, par exemple. Leur dialogue crée une tension qui ira jusqu’à la rupture, puis la chute. Le résultat est un spectacle.
Il y est question d’un piano qui chute, d’un auteur qui discute, d’un chanteur qui se tient sur un point élevé, d’un danseur étendu par terre. Il est question d’un philosophe et d’un musicien qui imaginent le projet de faire un spectacle dont le sujet (et le titre) serait La Chute du piano. Ce philosophe et ce musicien, Gilles et John, sont des personnages inventant le spectacle qui est en train de se faire par des personnes réelles. C’est l’envers. L’endroit étant le plateau où nous nous trouvons, où les images et les scènes - faites de poésie et de pixels - se font et se refont jusqu’au point d’impact, la chute du spectacle.
La mise en scène
L’espace au moment de commencer
La mise en scène
Il y a trois mouvements.
Le premier s’ouvre par une prise de parole. Encore là, c’est variable. Lors de la première à Québec, ce fut un mot de bienvenue se transformant peu à peu en poème. Lequel était interrompu par le danseur s’interrogeant sur la signification d’un vers. Puis vint la réponse qui fut, à son tour, graduellement interrompue par la trame sonore, etc. Le premier mouvement est une suite de boucles et de ruptures se déroulant dans un espace de représentation. Le lieu du spectacle.
La lumière est crue, tous les interprètes sont présents et racontent, dansent, jouent, chantent ces variations sur une chute. Et ce, jusqu’à ce que Gilles et John viennent les interrompre.
À ce moment, tout disparaît. Le lieu, les artistes et les écrivains. Tout est plongé dans le noir.
Le second mouvement – charnière entre le premier et le troisième – est une radiofiction où
le spectateur assiste à une conversation entre Gilles et John se déroulant dans un café. Dans le noir, les voix de ces derniers plongent le spectateur dans un autre type de fiction : celle du cinéma intérieur.
Lorsque Gilles et John se taisent, débute le troisième mouvement, l’autre moitié du
spectacle. Graduellement, des images projetées sur les cubes émergent du noir. Le cinéma passe du dedans au dehors et reprend, à sa manière, l’histoire des pianos qui chutent, plongeant le
spectateur dans l’univers des images, qu’elles soient poétiques ou photographiques. Sur ce nouveau mode, le piano continue de chuter. Dans ce lieu dématérialisé – support invisible d’un récit plutôt que lieu de représentation – les textes sont à nouveau lus, transposés en vidéo, en gestes, etc.
Création audio in situ et toujours mouvante, vidéo en direct, un texte et leurs auteurs, deux danseurs et un chanteur, couplés aux figures emblématiques de John Cage et de Gilles Deleuze, voilà un spectacle vivant aux confluences de la littérature et de la musique contemporaine.
Matière Textuelle
Nous ne cherchons pas à dire une histoire.
Nous ne sommes pas des diseurs d’histoire.
Nous les aimons, mais laissons à d’autres
le soin de nous les raconter.
Le texte n’est pas le support d’une histoire.
Le texte est (peut être) une partition.
Une partition pour apprendre,
pour faire, pour rythme, pour structure.
Habituellement c’est comme ça.
Pour nous.
Nous utilisons le texte comme partition.
Le texte contient les directives pour le
transformer, en faire autre chose, pas ce
qu’on veut, mais ce qu’on peut en lire.
La lecture est toujours plurielle.
Habituellement c’est comme ça.
Mais pas aujourd’hui,
pas maintenant, pas cette fois-ci.
Cette fois, nous partons d’une partition.
Une partition pour apprendre, pour faire,
pour rythme, pour structure.
Et nous mettrons des partitions dans la
partition et du texte aussi.
Aujourd’hui ce sera comme ça.
La partition avale et prend, grossit, ce sera
une pièce.
Nous ne cherchons pas une histoire à dire,
nous cherchons une manière de construire.
Autour d’une rencontre, une construction faite
de musique, de texte et surtout de sens.
Nous cherchons à organiser le sens.
Nous ne sommes pas organisés.
Ce sera une pièce avec de la musique et des
écritures, des gens et des langages, du sens et des sons, des images et du temps.
Le dispositif
La scénographie est composée de cubes. Un grand nombre de cubes constamment réarrangés. Ils forment une tour, un divan ou simplement un tas. Durant toute la première moitié du spectacle, c’est la matérialité des cubes qui est exploitée. Les cubes sont ce qu’ils sont, de la même manière que le lieu de la représentation est une salle de spectacle ou une ancienne conserverie d’anchois. Jusqu’à ce que tout s’éteigne, que disparaisse le lieu pour faire place aux images. Les cubes révèlent alors une image qui n’est jamais complète, toujours déconstruite.
En utilisant deux projecteurs, le dispositif de projection vidéo répartit une image complète sur les deux faces des cubes tournées à 45 degrés vers le public. Un système de caches utilisant la lumière infrarouge permet de ne projeter que sur les cubes le reste de l’image étant voilée. C’est pourquoi nous disons que les cubes révèlent l’image.
Au centre de l’aire de jeu, si l’on pose un cube sur un point précis, l’image se poursuit sur l’autre face. C’est le seul endroit où l’image peut être complétée. Ainsi, en déplaçant les cubes, les artistes de La Chute du piano défont et refont sans cesse l’image, laquelle, de concert avec eux, devient un support du récit.
Version parcours
Ce dispositif n’est pas nécessairement utilisé dans la version parcours de La Chute du piano qui fut créée la première fois dans les espaces du coproducteur, éclats, une ancienne conserverie d’anchois. Dans cette version du spectacle, chaque fois recomposé, un lieu comportant plusieurs espaces est investi. Les différentes scènes du spectacle sont adaptées et réparties dans les différentes pièces, un parcours composé de tableaux se construit. Ce type de travail démontre l’aspect vivant et continuellement mouvant du projet. Plus d’informations sur cette version sont disponibles sur demande.
Artistes et concepteurs
Direction artistique : Simon Dumas, Rhizome (Québec) et Stéphane Guignard, éclats (France)Texte : Virginie Barreteau et Simon Dumas
Mise en scène : Gilles Baron et Simon Dumas
Direction musicale : Stéphane Guignard
Direction littéraire : Simon Dumas
Musique : John Cage et Erik Satie
Compositions et musique live : Érick d’Orion
Chant : Nicolas Jobin
Interprétation (danse) : Gilles Baron et Mélanie Therrien
Voix : Normand Bissonette et Kevin McCoy
Acteur invité : Sylvio Ariola
Pianiste : Hélène Desjardins
Vidéo : Camille Téqui et Jean-François Dugas
Production : Rhizome (Québec) et éclats (Bordeaux)
Intégration technologique : Marc Doucet
Scénographie : Julie Lévesque
Direction administrative : Yves Doyon (Rhizome) et Emmanuelle Paoletti (éclats)
Le coproducteur
Éclats est un espace de recherche et de création artistiques créé et dirigé par Stéphane Guignard depuis 1987. Les paysages sonores, le corps musical, la voix, le théâtre instrumental, le croisement des arts et les nouvelles technologies forment les points d’appui de sa recherche musicale.
L’association éclats se définit aujourd’hui comme un collectif d’artistes. Engagés dans une démarche commune, Nadine Gabard, Sophie Grelié et Stéphane Guignard, artistes associés, développent trois directions dans une même pensée de la création. S’inscrivant dans une démarche contemporaine, éclats crée, produit, accompagne et diffuse concerts et spectacles musicaux à travers la France et à l’étranger.
Au-delà de l’interprétation d’oeuvres contemporaines, éclats développe un mouvement de recherche et de création, de mise en commun des sensibilités et de transmission. Dans son lieu comme dans différentes structures (centres culturels, écoles de musique, conservatoires, centres de formation professionnelle, établissements), éclats transmet cette pensée musicale qui lui est propre et fédère, autour d’elle, artistes, enseignants, institutions et professionnels.
La compagnie développe aussi des partenariats internationaux, notamment avec les villes jumelées à la ville de Bordeaux et aux zones de coopération décentralisée de la Région Aquitaine.
éclats est soutenue par la Direction Régionale des Affaires Culturelles, le Conseil régional d’Aquitaine, le Conseil général de la Gironde, la Ville de Bordeaux, Cultures France, la Spedidam et l’Adami.
Galerie photo
Extraits vidéo
Montage d'un extrait du spectacle présenté à Québec en toutes lettresTeaser conçu suite à la version parcours présentée à éclats à Bordeaux.
Les partenaires
Merci à ceux qui ont soutenu cette aventure!Vidéo intégrale
Équipe de tournée
8 personnes, soit l’auteur et metteur en scène Simon Dumas, le performeur audio Érick d’Orion, le chanteur Nicolas Jobin, la danseuse Mélanie Therrien, le chorégraphe- interprète Gilles Baron, un(e) comédien(ne), une régie audio-vidéo et un directeur de tournée. Note : le/la comédien(ne) peut être recruté(e) sur place.Devis technique — nous apportons
Régie vidéo
- ordinateur de contrôle
- duplicateur vidéo
- interface USB - DMX
- ordinateur de contrôle
- contrôleur midi
- tourne-disque
Devis technique — svp veuillez fournir
- une salle noire avec un espace scène de 10 mètres de largeur par 7,5 mètres de profondeur
- accrochage au plafond
- 13 fresnels
- 12 découpes
- 4 enceintes (quadriphonie)
- 1 console 12 entrées, 4 sorties
- 2 micros type SM-58 avec pieds
- 1 moniteur de scène
- 2 projecteurs vidéo
- 31 cubes en polystyrène expansé de 50 cm de côté
- 22 cubes en polystyrène expansé de 25 cm de côté
- 9 cubes en bois peint en blanc de 50 cm de côté
Conditions
- 2 jours, incluant la générale et le spectacle le soir du second jour
- 1 heure
- 1 représentation : 3 000 € (± 4 200 $)
- 2 représentations : 3 750 € (± 5 300 $)
- Hébergement / séjour : chambres simples (8) et indemnité journalière complète pour 2 jours.
- Note : il est possible que le comédien soit recruté sur place. En ce cas, les frais annexes ne s’appliqueraient pas pour lui.
- Voyages : l’équipe voyage au départ de Québec ; les frais de déplacement par avion et par voie terrestre sont à la charge de Rhizome.
- Frais de séjour : les frais d’hébergement et de séjour supplémentaires sont à la charge Rhizome.